如何控制大画幅相机的景深

如何控制大画幅相机的景深

　　大画幅相机的景深控制技巧有哪些呢?为了帮助大家解决这个问题，小编为大家整理了大画幅相机景深控制技巧，供大家参考!

　　大画幅相机景深控制技巧

　　(一)镜头最佳光圈的探讨

　　任何相机都可利用缩小镜头的光圈以增加景深，大多数人误以为拍摄时光圈越小，景深越大，并可增加边缘成像的清晰度。其实不然。当过度地缩小光圈，光线通过这个很小的孔径时会产生严重的绕射现象，从而降低影像的清晰度。限制使用最小光圈仅仅是提高影像清晰度的一个因素，事实上，胶片影像的品质是受到诸多因素制约的。

　　小贴士：当缩小光圈时，绕射现象的产生会导致清晰度的下降，但镜头的其他性能却因此得到校正和提高。综合考虑，我们会取得一个在各方面效果平均的最佳光圈。它虽然因不同镜头而异，但通常可定为比镜头最大光圈小1-4级光圈的位置。

　　由于大画幅相机各种镜头的焦距均较中小型相机长，如135相机的标准镜头焦距为50毫米，大画幅相机4x5英寸的标准镜头焦距则为150毫米，所以大画幅相机镜头的景深比小型相机对应的镜头的景深要小很多。在这种情况下不得不尽量缩小光圈来获得影像的全面清晰。在使用4x5英寸胶片时，也往往会把光圈缩至f22-f45之间，因此在实际应用中，只要在光线绕射现象没有明显地影响影像质量时，大型相机可允许适当缩小光圈。

　　小贴士：为了获得更大的景深，也可以用感光度较高的软片，这样可以缩小光圈，而不需过多地增加曝光事件。只要胶片不是极度放大，高感光度胶片稍低的解像力会被大幅胶片较大的放大倍率所抵消。

　　(二)大画幅照相机焦点和景深的关系

　　做到精确调焦十分重要。有时在调焦时感到影像已很清楚，但是如果用十倍以上的放大镜仔细观察胶片时，会发现因主要部位模糊而前功尽弃。所谓调焦清晰，胶片上有明锐的影像，从理论上讲，也不是指所有的点都同样明锐。

　　实际上，只有在被摄体的对焦点上或对焦平面上的点，在胶片上才是清晰的点，而在此前后的各点，越向二极延伸，越会扩散，模糊圈也会越远越呈椭圆形。我们称为有效的景深范围是指对焦平面前、后的点和由这些点到尚可接受的较莫模的圆圈组成的清晰影像。

　　1、有效控制景深

　　调焦的一个意义是把影像对实。另一个意义是有目的、有效地控制景深。有些广告画面要求主题实，背景或陪体虚，以突出主要形象;大多数广告画面则要求全景深，也就是画面所有的景物都清晰。在商品摄影中的前一种情况，虽要求背景虚，但主体从前至后均应清晰;后一种情况不过是把景深向前、向后或前后双向延伸罢了。这就有一个最佳对焦点(或对焦平面)的问题，这一问题提出的目的是有效地控制景深。

　　2、加大景深范围

　　延长景深，除使用相机的前、后座进行摆动外，就镜头本身而言有两种方法可供选择。

　　(1)使用小光圈。

　　(2)增大物距，景深也同样会增加。

　　小贴士：拍摄距离越近，调焦越近，景深越小;反之则会得到较大的景深。

　　另外，当镜头光圈缩小时，清晰范围会延伸，而且后景深的延伸范围比前景大，大约后景深为前景深的2倍。利用此特性，可对景深进行有效控制。在实际拍摄时，一般将焦点选择在所要包容的景深范围的前1/3处，在现场操作时有时这个1/3较难确定，而且有时缩小光圈来观察景深是否达到有效范围时也往往会因对焦屏昏暗难以判断。在此情况下，摄影师应比预定光圈再多缩1-2级光圈，以确保景深范围的有效覆盖。但要注意，过度缩小光圈，也会影响影像的明锐度。

　　什么是景深？

　　所谓「景深」简单来说，就是在相机完成对焦时，景物在感光元件上的清楚、锐利范围（也就是上图前后点前清晰的范围）。景深的深浅主要取决于以下元素：

　　1、感光元件大小

　　2、光圈大小

　　3、镜头焦距长短

　　4、摄影距离的远近

　　除此以外，一张相片的打印尺寸，以及我们到底是站在多远外看相片、也会影响我们对景深深浅的感觉。

　　以上图为例，景深（清晰部份）范围较短，为「浅景深」

　　以上图为例，相片中清晰部份较多，为「深景深」。

　　景深不会一下子突然由锐利变成朦糊，而是逐渐趋向模糊的。事实上，由（中间的白色棋子）焦点开始，前面或后面的焦距已渐渐开始朦胧，只是我们的肉眼，要去到一定距离才开始察觉到有关变化。

　　如何控制景深？

　　虽然打印尺寸和观看距离都直接影响我们肉眼对景深的感觉，但要控制景深，最重要的地方是在相机处。以下我们会介绍一下影响景深的元素：

　　光圈方面

　　光圈越大（f值越小），景深越浅（前景/背景看上去就像化掉一样），光圈越小（f值越大），景深越深（就是前景/背景看上去比较清楚）

　　大光圈f/2、4低光圈值，浅景深小光圈f/16高光圈值，深景深

　　F1、8留意后面绿色的棋子，旗盘上的洞以及右上方的白布，景深范围比较浅/窄，只是在中间的白色棋子上

　　F4将光圈慢慢收细后，远景也开始慢慢清楚

　　F22将光圈调到最细，后面的背景也清楚了，此为深景深

　　感光元件面积

　　相机的感光元件的面积越大，模糊的效果亦愈明显。小DC难拍出景深效果的主要原因，是因为感光元件太细所致。

　　与主体距离：

　　大的光圈和被摄物距离镜头越近，将会产生较浅的景深。站在同一个地方，主体的距离越接近，也会越容易做出浅景深。

　　与主体距离远

　　与主体距离近

　　焦距方面：

　　焦距较短的镜头（广角镜）能提供较深的景深及很大的后景深，这有助我们拍摄风景照片。而焦距较长的镜头能提供较浅的景深及较大的前景深，这可以更加特显出焦点的部份，因为散景的模糊部份经己被扩大。

　　焦距较短提供较深的景深

　　焦距较长提供较浅的景深

　　在不同时候用不同的景深有更佳的效果，在拍风景相片时，我们一般都会选择较深的景深。拍摄人像、商品等等的摄影时，则会常常使用到浅景深来作构图，用来令主体更加突出。

　　新手、业余、专业摄影师常见的问题

　　不论你进入摄影世界有多久，都必然会遇上问题，我们无法更进一步，就可能来自一些普遍的错误，又或是没有意识到问题所在。马来西亚摄影师MingThein的摄影工作涉及商品、野生、纪实、旅游、演唱会及食物等，他分享了自己有关各阶段的问题，并提出解决方向。有一些或者你都听过又或持不同看法，但有不少我看了也觉得获益良多，希望与大家一起分享。

　　一、关于摄影新手

　　1、主题不清晰

　　如果你的照片不是一眼就看得明白、清楚主题，就要问自己其实在拍什么。如果你的答案是“想拍XXX”，而XXX在照片里并不突出，那么你就要再尝试拍摄，并且用各种方法，例如对比、色彩、光线、动态、焦点等等，来突出XXX。

　　有些情况，你想拍摄的并不是实物，在照片里是看不到的，甚至正是它的不存在，那是非常困难而且极度依赖照片的背景信息与脉落，确是较少见的。

　　2、透视运用不当

　　选择透视应先于角度。广角是用来突出及夸张前景主体，长焦远摄则是减低主体从背景中突出。只以广角来拍摄多点东西及用长焦来少走两步，会让照片变得沉闷。

　　3、器材错误

　　这个涉及整体技术上的错误：曝光、对焦、相机摇晃、白平衡等，这些问题通常来自于对相机过度依赖，即是事事依赖自动程序。一部相机永不可能完全掌握摄影师想要的影像，拍摄者必须自行控制一系列设定，才能够得到正确的照片，并且改善拍摄过程，而非花时间在后期工夫，也可提高影像质素。

　　二、关于业余摄影师

　　1、过份担心器材

　　这个问题的病征，就是执着于尽用所有的工具来拍摄每一张照片，又或是相信一件新的器材能改善你的作品──但作品的不足却可能源于技术不足。购买太多器材有何问题？你在拍摄时会犹豫不决，你也没时间掌握手上的器材。所以购买前先要了解现时的极限，并且确认新的东西将会解决你的问题，否则只是浪费。当然，收藏家例外。

　　2、忽略照片边缘

　　现在100%VF已经越来越普遍，也没什么借口拍出主体意外被裁、树枝突入干扰之类的情况，拍摄时兼顾边缘也是重要的。

　　3、色彩问题

　　有时候奇怪的白平衡或明显错误的颜色，可以为平乏的照片增加趣味，但很多时候却只是破坏了和谐感，尤其是关于肤色与食物。如果你不清楚正确的白平衡，可以后期处理RAW文件，或用灰卡进行手动调整。但不要让相机自动调整，尤其是拍摄JPEG的话，会大大限制了照片的信息量与可调整性。

　　4、关于黑白对比

　　不少人的黑白照片对比过强或是过弱。前者会导致丧失细节、色调范围不足，导致难以分辨主体与背景；后者则令人感到沉闷，就像明明厨师手上有很多美味的配味料，他却只用上一种。

　　5、忽略自然边框与引导线

　　这些简单有用的小助手无处不在，例如走廊延伸出去的引导线就是好例子，可以吸引目光注视主体；同样它们也可能引离人们的视线，所以在构图时要加倍留意这些细节。

　　6、居中构图

　　很少好看的作品是把主体放在正中间，而有动感的作品，通常在主体前后都保留一些空间，并制造出好像预测前进或动作过后的感觉。现在相机都多于一个对焦点，所以你能够弹性地放置主体。

　　7、画面欠平衡

　　虽说把主体放置正中间，通常是种沉闷的构图，但把主体放到左下角，然后其他位置全部都空荡荡，也是不理想的。所谓视觉平衡并不容易解释，但我们可以直接透过视觉去感受。

　　8、错误运用景深

　　有些人非常沉迷于浅景深，一张接一张只是铁丝网或是红砖墙的作品，没有什么内容，照片只是在展示强烈的散景。这种照片就像在说：“我依赖器材来制造风格，因为我欠缺想象力。”浅景深没有罪，它可以突出主体，但一张好的照片，往往能够使用第二元素──背景，来补充照片的内容和信息，而一堵模糊的墙壁，并无任何信息。所以，我们应该思考，如何平衡景深、突出主体及背景信息的份量。

　　9、不当时机与欠缺准备

　　可能你的技术已经足够，但总是错过精彩的镜头，而唯一解决方法就是不断练习。你需要学习去预计主体的变化，这个需要观察与经验；同时，你也要对自己作业延时有种直观的认识，即是你知道由你想拍摄到按得到快门之间，其实会用上多少时间，然后习惯于这个节奏和速度，以准确拍摄。

　　三、关于专业摄影师

　　1、创意停滞

　　当你成为职业，意味着你已经找到一些好的拍摄方程式，甚至可以用来赚钱，然后你就会依赖它、重复它。有什么危险？这个世界有太多人喜欢抄袭人家的创意，见一个意念好，就一窝蜂的跟着做。要在这个世界突围而出，自己就需要不断创新。

　　同时当职业摄影师会有一个危机，就是大多数客人只喜欢叫你做他们的要求，那些会因为仰慕你的才华，而希望你自由发挥的客人非常罕见，久而久之，摄影师就会变成相机执行人，多于创作人。

　　2、外包太多后期工作

　　有些专业摄影师，会有一团的助手替他进行后期工作，例如加入创意元素，或进行风格修饰。一来这么做的话，可能总是无法准确做到你的要求，而最大问题时，长此下去你会跟科技脱节，如果那些助手要走了，你怎么办？

　　3、没有尝试新主题

　　这是个经典辩论：到底摄影师应该集中一个主题成专才，还是应该拍摄所有东西变通才？最理想情况就是你有一个可达商业水平的题材，然后你有足够基础拍摄其他主题。理由有二：第一，你有机会赚更多的钱，因为你可以给客人额外东西；第二，不同主题需要不同技术，而这些技术有机会跨题材来到提升你的事业。

　　4、太多工作

　　这是有点吊诡的，因为你有才能，所以有很多工作，但因为工作太多，你没有机会拍摄自己喜欢的东西、进行其他创作，所以你的事业也因此下滑。不过，又可能当你事业下滑时，你就有多一点时间，去尝试新的东西。平衡你的工作与自己的摄影生活，是十分重要的。

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